Schon der Support-Act Nativ James sorgt für Stimmung. Für ihn ist es zugleich das allererste Konzert in Deutschland. Mit den ersten Moshpits des Abends bringt er die Menge schnell auf Betriebstemperatur, noch bevor die Twins überhaupt die Bühne betreten. Eine perfekte Vorbereitung für das, was noch folgen soll.

Die Twins starten die Show mit dem Song „Black Roses“ und präsentieren natürlich Tracks vom aktuellen Album „Parasites & Butterflies“, ergänzt durch ausgewählte Stücke vom „Supernova“-Album und einen frühen Track von der EP „Who Are the Girls?“ – „Taxi“. Die Zugabe bringt dann unter anderem „Monster“ und „Glory“, die noch einmal für Ekstase im Publikum sorgen. Moshpits entstehen, Fans springen und feiern, während die Twins die Show in einem energiegeladenen Finale abschließen. Das Duo lifert genau das ab , wofür sie bekannt sind. Ihr Sound, eine Mischung aus Alternative Rock, Punk, Rap Rock und Nu Metal, wirkt live noch eindrucksvoller und vielschichtiger als auf ihren Studioaufnahmen. Tatsächlich gehören sie zu den wenigen Bands, bei denen man sagen kann: Live klingen sie sogar besser als auf Platte. Nicht, weil die Studioaufnahmen schwächer wären, sondern weil ihre Songs auf der Bühne eine neue, rohe Intensität erhalten.

Ein entscheidender Grund dafür ist ihr außergewöhnlicher Umgang mit Instrumenten. Besonders Georgia South beeindruckt mit einem Bassspiel, das weit über klassische Rockstrukturen hinausgeht. Sie arbeitet live mit einem aufwendigen Setup aus zahlreichen Effektpedalen – oft sind mehrere Dutzend gleichzeitig im Einsatz – und verzichtet dabei bewusst auf vorproduzierte Backing-Tracks oder Laptops. Stattdessen erzeugt sie sämtliche elektronischen Klänge in Echtzeit auf der Bühne. Zusätzlich nutzt sie einen Bewegungssensor am Finger, mit dem sich Effekte durch Gesten im Raum steuern lassen. Dadurch kann sie ihren Sound nicht nur mit den Füßen, sondern auch durch Handbewegungen verändern. Das Ergebnis ist ein extrem dynamisches Klangbild: Der Bass wird zum Synthesizer, zu Sirenen, zu verzerrten Beats – und jeder Song entwickelt live eine eigene, spürbar neue Version des Studiosounds.

Auch Amy Love nutzt ihre Gitarre weniger melodisch als vielmehr als Klangwerkzeug. Mit starken Verzerrungen und Effekten erzeugt sie aggressive, fast industrielle Sounds, die den Raum komplett ausfüllen. Zusammen schaffen die beiden eine Klangdichte, die kaum vermuten lässt, dass hier nur zwei Musikerinnen auf der Bühne stehen.

Neben der Musik überzeugt auch die Verbindung der beiden Künstlerinnen. Obwohl sie keine echten Zwillinge sind, verbindet sie eine enge Freundschaft, die bis in ihre Jugend zurückreicht. Diese Vertrautheit ist auf der Bühne spürbar.

Auch abseits der Musik setzen die Nova Twins klare Zeichen. Mit ihrem Do-it-yourself-Ansatz gestalten sie ihre auffälligen Outfits selbst und stehen zugleich für mehr Diversität in der Rockszene. Spätestens seit dem Erhalt des Mercury Prize – eines britischen Musikpreises, der jedes Jahr das Album des Jahres aus Großbritannien und Irland auszeichnet – für ihr Album Supernova gelten sie als wichtige Stimme für unterrepräsentierte Künstlerinnen im Genre.

Die Zeche Carl erweist sich dabei als genau der richtige Ort für dieses Konzert. Die raue, industrielle Atmosphäre der ehemaligen Zeche passt perfekt zur kompromisslosen Klangästhetik des Duos und verstärkt die Intensität der Show zusätzlich. Das Fazit fällt eindeutig aus: Wer auf kraftvolle Musik und eine außergewöhnliche Live-Performance steht, kommt bei den Nova Twins voll auf seine Kosten. Das Duo zeigt eindrucksvoll, wie moderner Rock klingen kann – roh, experimentell und gleichzeitig absolut mitreißend.

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Bevor der Hauptact die Bühne betrat, sorgte DJ Toney Handsome für die passende Einstimmung. Mit einem Mix aus aktuellen Tracks und nostalgischen Momenten – darunter sogar Songs aus der Nickelodeon-Serie Victorious – brachte er das Publikum früh auf Betriebstemperatur. Für viele im Raum dürfte Leon Thomas noch immer eng mit seiner Rolle als André Harris verbunden sein, doch der Abend zeigte schnell: Diese Zeiten sind längst nur noch ein Teil seiner Geschichte.

Spätestens seit seinem Debütalbum Electric Dusk (2023) und dem Durchbruch mit „Mutt“ im Jahr 2024 hat sich Leon Thomas als eigenständiger Künstler etabliert. Dass er zudem bereits als Produzent für Größen wie Drake, SZA oder für das Vultures-Projekt von Kanye West und Ty Dolla $ign gearbeitet hat, spiegelt sich deutlich in seiner musikalischen Reife wider.

Doch was seine Performance in Köln besonders machte, war vor allem eines: seine Vielseitigkeit. Thomas präsentierte sich als echter Vollblutmusiker. Immer wieder wechselte er während des Konzerts die Instrumente – stand selbst am Schlagzeug, griff zum Bass und verlieh den Songs dadurch eine ganz eigene, rohe Energie. Diese Momente wirkten nie wie Showeinlagen, sondern wie ehrlicher Ausdruck seiner musikalischen Identität.

Soundtechnisch bewegt sich Leon Thomas irgendwo zwischen modernem R&B und rockigen Einflüssen. Künstler wie Prince, Jimi Hendrix, Stevie Wonder oder D'Angelo scheinen dabei klar durch. Besonders eindrucksvoll wurde das bei „Blue Hundreds“, das live mit einem überraschenden Rock-Outro versehen wurde und die stilistische Bandbreite des Künstlers unterstrich.

Der Fokus des Abends lag klar auf seinen neueren Songs – ältere oder frühe Veröffentlichungen fanden keinen Platz in der Setlist. Stattdessen setzte Thomas auf den Sound, der ihn aktuell definiert: modern, experimentierfreudig und dennoch tief in klassischen Einflüssen verwurzelt.

Ein kleiner Kritikpunkt zeigte sich jedoch im Bereich der Backing-Vocals. Während die Band insgesamt auf höchstem Niveau agierte – mit starken Performances an Schlagzeug, Bass und Gitarre, zwischen denen sich die Musiker immer wieder dynamisch abwechselten – kamen die Hintergrundgesänge größtenteils vom Band. Gerade im Kontext von Leon Thomas’ stark im R&B verwurzeltem Sound hätte der Einsatz von ein bis zwei zusätzlichen Live-Backing-Sänger dem Konzert noch mehr Tiefe und Wärme verliehen. Das organische Zusammenspiel der Band war bereits beeindruckend – echte Stimmen im Hintergrund hätten dieses Gefühl von Authentizität und Soul jedoch noch einmal deutlich verstärkt.

Dennoch tat das der Wirkung des Abends kaum Abbruch. Leon Thomas bewies in Köln eindrucksvoll, dass er weit mehr ist als ein ehemaliger Serienstar – er ist ein ernstzunehmender Künstler mit einer klaren Vision und einer beeindruckenden Bühnenpräsenz.

Wer sich nun näher mit Leon Thomas beschäftigen möchte, sollte unbedingt in die Deluxe-Version seines Albums „MUTT (Deluxe: Heel)“ reinhören.

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Thundercat – bürgerlich Stephen Bruner – zählt zu den wichtigsten Bassisten des 21. Jahrhunderts. Sein Instrument ist ein sechssaitiger Bass, mit dem er das Klangspektrum des klassischen Basses deutlich erweitert. Die zusätzlichen Saiten erlauben es ihm, neben Basslinien auch Akkorde und Melodien zu spielen – fast so, als würden gleichzeitig Gitarre und Klavier erklingen.

Auf der Bühne stand er mit einer bewusst reduzierten Besetzung: nur Schlagzeuger Justin Brown und Keyboarder Dennis Hamm begleiteten ihn. Trotz – oder gerade wegen – dieser minimalistischen Besetzung entwickelte das Trio einen beeindruckend dichten Sound. Die Band wirkte extrem eingespielt und nutzte viele Songs als Ausgangspunkt für längere instrumentale Passagen. Immer wieder wurden Stücke mitten im Song aufgebrochen: Der Groove stoppte kurz, dann übernahmen Bass, Keys und Schlagzeug das Kommando und entwickelten daraus improvisierte Jams, bevor der eigentliche Song wieder aufgenommen wurde. Auch insgesamt klangen viele Songs live etwas anders als auf den Studioaufnahmen – mit neuen Grooves, längeren Bridges und spontanen musikalischen Ideen.

Musikalisch bewegt sich Thundercat ohnehin zwischen mehreren Welten. Sein Sound ist ein virtuoser Mix aus Jazz, Funk, Hip-Hop und R&B. Viele kennen ihn auch aus anderen Produktionen: Unter anderem prägte er den Sound von To Pimp a Butterfly von Kendrick Lamar entscheidend mit.

In Köln spielte er eine Mischung aus bekannten Songs und neuem Material. Klassiker wie „Them Changes“ und „Dragonball Durag“ durften natürlich nicht fehlen. Gleichzeitig gab es einen Ausblick auf kommende Musik – etwa mit „No More Lies“, seiner Zusammenarbeit mit Tame Impala. Auch bislang unveröffentlichte Songs waren zu hören, die von seinem fünften Studioalbum stammen: „Distracted“, das am 3. April erscheinen wird.

Als Support sorgte zuvor das DJ-Duo Ginger Shots für die passende Einstimmung auf den Abend.

Zur Zugabe spielte Thundercat schließlich „She Knows Too Much“, einen funkigen Song, der gemeinsam mit Mac Miller entstanden ist und auch auf seinem kommenden Album erscheinen wird. Für viele im Publikum war das einfach ein cooler Moment – nicht zuletzt, weil es immer wieder besonders ist, Songs aus der gemeinsamen Zeit mit Mac Miller live zu hören.

Das Besondere an diesem Konzert: Man konnte einem echten Virtuosen bei der Arbeit zusehen. In einer Zeit, in der Live-Instrumente in der Popmusik immer seltener im Mittelpunkt stehen, wirkt ein Musiker wie Thundercat fast schon wie eine Ausnahmeerscheinung. Dass er bereits zwei Grammys gewonnen hat, passt da nur ins Bild.

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Ganz ausverkauft war der Abend zwar nicht, doch das YUCA war voll genug, um eine dichte, druckvolle Atmosphäre zu erzeugen. Eine dieser Nächte, in denen Schweiß von der Decke tropft und jede Zeile mitgerappt wird. Bevor JACE selbst die Bühne betrat, heizten Dicken45 und Benito das Publikum an. Als dann Lord Jacek die Bühne betrat, war die Energie sofort da – die Hände oben. Dann der kollektive Schrei: „Free Game!“

Mit dem gleichnamigen Track vom 2025 erschienenen Tape FREE GAME 2025 eröffnete JACE sein Set – ein passender Einstieg, der sofort klarmachte, in welche Richtung der Abend geht: kompromisslos, direkt, voller Energie. Die Tour markiert gleichzeitig ein Jubiläum: Zehn Jahre JACE. Es gab einen musikalischen Querschnitt durch seine Karriere. Vom ersten Tape „Stich“ über Kollabo-Projekte wie „9 Leben“ bis hin zu neueren Releases spannte er den Bogen durch ein Jahrzehnt Untergrund-Historie. Selbst unveröffentlichte Tracks fanden ihren Weg ins Set – darunter „Mister Germany“. Man merkte: Hier steht jemand auf der Bühne, der sich seiner Entwicklung bewusst ist und genau weiß, wer ihm diesen Weg ermöglicht hat. Gegen Ende wurde es noch einmal wild. Moshpits öffneten sich mitten im Raum, JACE pushte die Crowd, sein Backup Skooli – eine Hälfte des Produzentenduos SBM, das maßgeblich an vielen JACE-Produktionen beteiligt ist – mischte sich aktiv mit JACE ins Geschehen ein. Ein besonderes Highlight: Gemeinsam wurde angestoßen. JACE und seine Crew verteilten kleine Jägermeister-Flaschen – natürlich mit eigener Free-Game-Bedruckung. Ein Moment zwischen Abriss und Zusammenhalt, zwischen Turn-up und Dankbarkeit. Nach dem letzten Song war noch lange nicht Schluss. JACE nahm sich Zeit für seine Fans, machte Fotos, schrieb Autogramme und quatschte mit jedem, der wollte. Keine Allüren, kein Zeitdruck – einfach ehrlicher Austausch. Der Stopp in Köln war Nummer zehn der Tour, bevor es zum großen Heimspiel nach Hamburg geht. Doch schon jetzt lässt sich sagen: Das YUCA hat gebrannt. Und JACE hat einmal mehr bewiesen, warum er seit einem Jahrzehnt eine feste Größe im Deutschrap-Untergrund ist.

Über seinen Stopp in Köln sagte JACE gegenüber familyFM Folgendes:
„Ich bin heute das zweite Mal im YUCA. Aber jetzt mit meiner ersten Solo-Show in diesem Laden. Es war richtig nice, es hat sehr Spaß gemacht. Köln ist sowieso die Stadt, wo am meisten durchgedreht wird, habe ich das Gefühl. Das sagen auch alle anderen. Köln hat immer sehr starke Energie.“

Für alle, die ihn (noch) nicht auf dem Schirm haben: JACE, auch bekannt als Lord Jacek, ist seit Jahren eine feste Größe im Deutschrap-Untergrund. Dass es „nur“ der Untergrund ist, ist für ihn auch kein Problem – ganz im Gegenteil: „Der Vorteil ist, wenn du lange am Start bist: Da lernst du einfach viele Leute kennen, die die gleiche Leidenschaft haben und einfach diese Mukke lieben.“ Sein erstes offizielles Album erschien 2018 – gerappt hat er allerdings schon deutlich früher. Über die Jahre hat er sich Schritt für Schritt eine eigene Welt aufgebaut, fernab vom kurzlebigen Hype, aber immer nah an der Szene. Es folgten zahlreiche Releases, Tapes und Kollabo-Projekte. Unter anderem arbeitete er mit OG Keemo zusammen – ein Feature, das seinen Stellenwert innerhalb der Szene noch einmal unterstrich. 2023 wurde JACE mit dem GEMA-Autorenpreis in der Kategorie Hip-Hop ausgezeichnet – eine Ehrung, die vor allem seine Qualitäten als Texter hervorhebt. Denn bei aller Lockerheit: Seine Lines sind durchdacht, pointiert und oft doppeldeutig. Zuletzt war JACE beim US-Freestyle-Format On The Radar zu sehen – einer Plattform, auf der bereits internationale Größen wie Drake performt haben. Ein weiterer Beweis dafür, dass sein Name längst nicht mehr nur im deutschen Untergrund fällt. Was JACE besonders macht? Er ist der perfekte Künstler für alle, die Rap feiern, ohne alles bierernst zu nehmen. Humor trifft auf Haltung, Leichtigkeit auf Technik. JACE macht einfach sein Ding – kompromisslos, eigenständig und seit mittlerweile über zehn Jahren mit einer klaren Vision.

Also: Wenn JACE das nächste Mal in der Gegend ist – nichts wie hin.

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Im Mittelpunkt der Show stehen die legendären Songs und Alben von Pink Floyd. Häufig werden komplette Konzeptalben wie The Dark Side of the Moon oder The Wall nahezu originalgetreu live interpretiert. Dabei geht es nicht nur um das Nachspielen der Musik, sondern um das Eintauchen in die besondere Stimmung, für die Pink Floyd berühmt geworden sind. Die Show ist in zwei Teile gegliedert: „The Wall in Concert“ und „The Dark Side of the Moon in Concert“. Für beide Shows muss jeweils ein eigenes Ticket erworben werden.

Ein besonderes Merkmal der Show ist ihre hochkarätige Besetzung. Mit PJ Olsson, bekannt als Sänger des Alan Parsons Live Project, steht ein erfahrener und ausdrucksstarker Frontmann auf der Bühne. Olsson ist seit den frühen 2000er-Jahren Teil der Band und gewann 2019 einen Grammy in der Kategorie Best Immersive Audio Album für die Arbeit an der 35th Anniversary Edition des Albums Eye in the Sky von The Alan Parsons Project. Bereits 2006 war er in der Kategorie Best Surround Sound Album für die Zusammenarbeit am Album A Valid Path nominiert. Seine Stimme verbindet Kraft und Gefühl und passt hervorragend zu den anspruchsvollen Kompositionen von Pink Floyd. Olsson beschreibt seine frühe Begeisterung für Pink Floyd folgendermaßen: „Für mich ist das einfach wunderbar, denn ich bin mit Pink Floyd aufgewachsen, ich bin mit Alan Parsons aufgewachsen. Ich erinnere mich an das erste Mal, als ich Pink Floyd gehört habe. Ich war sehr jung und bin irgendwie auf einer der Partys meines Bruders gelandet. Eigentlich hätte er auf mich aufpassen sollen.“ Über eine mögliche Alan-Parsons-Tour in Zukunft bei uns sagt er: „Ich hoffe es. Wir mussten gerade eine Tour absagen. Alan hat im Moment mit ein paar Dingen zu tun. Es geht ihm gut. Ich war vor etwa anderthalb Monaten noch bei ihm. Wir hoffen, dass wir sehr bald wieder unterwegs sein werden.“

Unterstützt wird Olsson von Machan Taylor, einer vielseitigen Sängerin, die unter anderem mit Pink Floyd und David Gilmour zusammengearbeitet hat. Von 1987 bis 1988 begleitete sie Pink Floyd auf der A Momentary Lapse of Reason Tour als Backing-Sängerin. Zudem arbeitete sie mit Sting zusammen und war Teil der Band Hiroshima, wo sie den Hauptgesang auf dem 1989 erschienenen Album East übernahm. Ihre stimmliche Präsenz bereichert die Show besonders bei atmosphärischen Passagen, etwa bei A Great Gig in the Sky, das sie zusammen mit Backing-Sängerin und Gitarristin Jessie Lee Houllier performt. Dadurch gewinnen viele Songs zusätzliche Tiefe und Glaubwürdigkeit. Machan beschreibt, wie es sich anfühlt, nach all den Jahren wieder diese Songs zu spielen: ,,Es ist unglaublich – 38 Jahre später fühlt es sich manchmal fast unwirklich an. Denn ich kann mich noch daran erinnern, mit Pink Floyd auf Tour gewesen zu sein, als wäre es gestern gewesen. Dass ich diese Songs heute wieder spiele, fühlt sich für mich so an, als hätte es nie geendet. Es ist schön – es ist ein Geschenk, das immer weitergibt.“

Ein weiteres herausragendes Element ist Harry Waters an den Keyboards. Als Sohn von Pink-Floyd-Mitbegründer Roger Waters bringt er nicht nur musikalische Exzellenz, sondern auch eine besondere Glaubwürdigkeit in die Produktion ein. Er war über viele Jahre Teil der Solo-Tourneen seines Vaters, darunter die In The Flesh Tour und The Dark Side of the Moon Live Tour, und ist somit eng mit dem Werk von Pink Floyd verbunden. Schon als Kind war er auf dem Song Goodbye Blue Sky vom Album The Wall zu hören.

Begleitet werden die Sänger von einer exzellent eingespielten Live-Band, bestehend aus erfahrenen Musikern aus verschiedenen Teilen der Welt, darunter Amerika, Italien und England. Die Band bringt den charakteristischen Pink-Floyd-Sound auf die Bühne und setzt dabei auf mehrere E- und Akustikgitarren, E-Bass, Schlagzeug und Percussion, Keyboards mit und ohne Synthesizer sowie Saxophon, ergänzt durch wechselnden Lead- und Background-Gesang.

„The Music of Pink Floyd in Concert“ ist weit mehr als eine Tribute-Show. Die Beteiligung von Musikern wie Machan Taylor und Harry Waters, die direkt mit Mitgliedern von Pink Floyd gearbeitet haben, verleiht dem Konzert eine besondere Glaubwürdigkeit. Die Show versteht sich als respektvolle Hommage, die den Geist der Originale bewahrt, ohne sie bloß zu kopieren.

Wer die Show erleben möchte, hat in diesem Jahr mehrere Gelegenheiten im Ruhrgebiet: am 17. Februar in Dortmund, am 18. Februar in Siegen, am 20. Februar in Düsseldorf, am 5. März in Neuss, am 27. April in Münster, am 5. Mai in Bonn und schließlich am 11. November in Oberhausen. familyFM empfiehlt das Konzert besonders allen, die gute Musik live erleben möchten.

Die Interviews mit PJ Olsson und Machan Taylor sind dann bald bei uns komplett zu hören. PJ erzählt darin die Geschichte weiter, wie er auf der Party seines Bruders zum ersten Mal Pink Floyd hörte. Außerdem erklärt er, worin für ihn der Unterschied besteht, einen Song von Alan Parsons im Vergleich zu Pink-Floyd-Stücken zu performen. Auch auf die Tour wird im Interview ausführlicher eingegangen. Machan berichtet weiter von ihrer Arbeit mit Pink Floyd und spricht außerdem darüber, wie wichtig es ist, diese Songs noch heute live zu spielen. Also dranbleiben, Leudde!

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Schon beim Einlass wartete ein besonderes Highlight auf die Besucher: Der Barber NezCutz bot spontane Gratis-Haarschnitte für alle an, die ihm auf Social Media folgten. Wer noch schnell einen frischen Cut für den Abend wollte, bekam hier die perfekte Gelegenheit.

Durch das Programm führte Host Tamacou, der mit viel Charme, Humor und Energie dafür sorgte, dass der Abend durchgehend lebendig blieb. Immer wieder erinnerte er daran, worum es bei der NRW Night geht: die Künstler aus Nordrhein-Westfalen zu feiern und den Zusammenhalt innerhalb der Szene zu stärken. Seine Worte fanden beim Publikum sichtbaren Anklang und prägten die Atmosphäre des gesamten Abends. Für den musikalischen Rahmen sorgte DJ Tyfer, der eine abwechslungsreiche Mischung aus aktuellem Rap und regionalen Songs auflegte. Besonders im Fokus standen Artists aus NRW, darunter Thizzy52 aus Aachen, die Zwillinge JayCee52 und Og.O.Dog, ebenfalls aus Aachen, sowie PrettyFaceCapri aus Wuppertal. Allein das DJ-Set zeigte eindrucksvoll, wie breit und kreativ die HipHop-Szene des Bundeslandes inzwischen aufgestellt ist.

Die Künstler an diesem Abend auf der Bühne stammen aus ganz NRW, unter anderem aus Dortmund, Essen, Düren, Düsseldorf, Aachen und Köln. Den Live-Start übernahmen Black061 und YND Soulja, Mitglieder von Summer Cems Scorpian Gang. Neben ihrem Banger „A LA CARTE“ präsentierte das Duo exklusive Einblicke in neue, bislang unveröffentlichte Songs. Die beiden Künstler aus Mönchengladbach sorgten sofort für mitreißende Stimmung und setzten den Ton für den restlichen Abend.

Im weiteren Verlauf präsentierte sich ein vielseitiges Line-up. Loin führte die Show souverän weiter, bevor 4nesca sommerliche Vibes in den Saal brachte und sogar einen Gitarristen mit auf die Bühne nahm, der dem Auftritt einen besonderen, warmen Klang verlieh. Danach folgten Omoii und Leboii, die das Publikum mit viel Energie abholten, bevor Abbz die Bühne betrat – stark inspiriert von der britischen Rap- und UK-Drill-Szene und überwiegend auf Englisch rappt. Auch Em Dee brachte UK-orientiertes, internationales Flair in die Veranstaltung. Kurz darauf betraten zunächst Ndriso und anschließend Kario.LB die Bühne, bevor der Hauptact des Abends, Sosa Kriminell aus Wuppertal, die Show abschloss. Sein Auftritt war kurz, aber intensiv, voller Energie und mit Pyrotechnik. Mit seinem Song „Apokalypse“ betrat er die Bühne – und brachte als Überraschungsgast G-Money von AC520 mit.

Auch wenn nicht alle Künstler live rappten und einige mit Playback arbeiteten, tat dies der Stimmung keinen Abbruch. In der heutigen HipHop-Landschaft stehen Vibes, Bühnenpräsenz und Interaktion mit dem Publikum oft stärker im Vordergrund als klassischer Live-Gesang. Die NRW Night zeigte eindrucksvoll, wie gut dieses Konzept funktionieren kann und wie entscheidend die Atmosphäre für eine erfolgreiche Rap-Show ist – auch wenn das Publikum anfangs ein wenig Zeit brauchte, um richtig warm zu werden. Das Event wurde sogar auf Twitch übertragen: Der Streamer ReadAlli begleitete das gesamte Konzert auf seinem Kanal, einschließlich einiger Interviews mit den Acts.

Veranstaltet wurde die NRW Night von der neuen Eventagentur Fire Events Agency. Aber was ist die NRW Night überhaupt? Ganz einfach: Die NRW Night bietet Newcomern und Underground-Künstlern eine Plattform, sich zu präsentieren, ihre Musik zu zeigen und die Szene in NRW zu stärken. CEO Allen Francis Passarge, der übrigens erst 17 Jahre alt ist, beschreibt die Identität der NRW Night so:
„Wir wollen ein Festival kreieren, bei dem sich die Künstler wohlfühlen, jederzeit teilnehmen können und die besten Künstler aus Nordrhein-Westfalen zusammenkommen. Wir wollen, dass NRW dadurch wächst und der Zusammenhalt gestärkt wird. Wir wollen wirklich, dass die NRW Night für jeden wie ein Zuhause wird. Jeder ist auch herzlich willkommen, egal wie man aussieht oder was die Herkunft ist. Du bist hier willkommen.“

Abschließend lässt sich sagen, dass die Zukunft der NRW Night gesichert scheint. In Nordrhein-Westfalen gibt es viele talentierte Nachwuchs- und Underground-Künstler, die ihren Weg noch suchen, aber enormes Potenzial besitzen. Genau für sie bietet die NRW Night eine ideale Plattform: einen Ort, an dem sie sich präsentieren, ein Publikum finden und gemeinsam wachsen können. Zukünftig ist auch die RPT-Night geplant – ein exklusives Event, das ausschließlich Künstlern aus dem Ruhrpott eine Bühne bieten wird. Die Planungen für die zweite NRW Night laufen ebenfalls bereits. Um immer up-to-date zu bleiben, folgt der Fire Events Agency auf Instagram.

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Der zweite Tour-Stopp führte die Musiker in die Mitsubishi Electric Halle in Düsseldorf. Auf der Bühne standen neben Bandleader und Keyboarder Thomas Rabitsch, der Falco noch aus seiner Zeit bei der österreichischen Punkband Drahdiwaberl kennt, auch sein Bruder Bernhard Rabitsch an Trompete und Percussion, Robert Pistracher am Bass sowie die Gitarristen Peter Paul Skrepek und Peter Vieweger. Am Schlagzeug sitzt diesmal Florian Holoubek, der den damaligen Falco-Drummer Thomas Lang vertritt.

Unterstützt wird die Band von einer Reihe namhafter Gastsänger, die Falcos größte Hits mit ihren eigenen Stimmen und Interpretationen neu zum Leben erwecken. Mit dabei sind Ana Milva Gomes, Drew Sarich, Edita Malovčić, Johannes Krisch, Georgij Makazaria, Roman Gregory, Skero und Tini Kainrath. Gemeinsam erwecken sie die größten Falco-Hits zu neuem Leben – von frühen Erfolgen wie „Auf der Flucht“ bis zu späten Meisterwerken wie „Titanic“. Selbst posthum veröffentlichte Songs wie „Egoist“ waren zu hören. Die Sänger brachten ihren eigenen Stil ein, sodass abwechslungsreiche, moderne Versionen der Klassiker entstanden. So übernahm Edita Malovčić zum Beispiel den Song „Hoch wie nie“ komplett selbst, während Falco bei „Tricks“ einen Gesangspartner bekam – hier war es Drew Sarich. Der Techno-Song „Mutter, der Mann mit dem Koks ist da“ bekam eine frische, harte, rockige Version: Gesungen von Georgij Makazaria, der mit seiner markanten Stimme dem Stück eine neue Note verlieh, unterstützt von Roman Gregory, Tini Kainrath und Edita Malovčić. Es gab auch Stücke, bei denen alle Sänger gemeinsam auf der Bühne standen und Falco unterstützten – etwa bei „Verdammt, wir leben noch“. Natürlich durfte auch „Der Kommissar“ nicht fehlen, bei dem Skero den Rap-Part übernahm, während das Publikum lautstark den Refrain mitsang. Weitere Interaktion mit dem Publikum gab es zum Beispiel bei „Ganz Wien“, als das Publikum aufgefordert wurde, die Intro-Melodie mitzuharmonieren – und selbst Falco interagierte über die große LED-Wand mit dem Publikum und bedankte sich bei den Zuschauern.

Ein besonders emotionaler Moment entstand bei „Jeanny“, das Falco komplett alleine sang. Auf der großen LED-Wand war sein Auftritt vom Donauinselfest 1993 zu sehen begelitet von seinen Bandmitgliegdern von früher. Seine unverwechselbare Stimme und das legendäre lange „Laaaaa“ nach dem Newsflash in Jeanny sorgten für Gänsehaut im Publikum. Nachdem die Band zusammen mit Falco und allen Sängern „Rock Me Amadeus“ gespielt hatte, betrat Ferdi Bolland – eine Hälfte des Produzentenduos Bolland & Bolland – die Bühne und wurde vom Publikum mit viel Applaus gefeiert. Die Bolland-Brüder hatten damals viele von Falcos größten Hits produziert, darunter „Jeanny“, „Rock Me Amadeus“, „Vienna Calling“, „Wiener Blut“ und viele mehr.

Ferdi Bolland, der extra aus den Niederlanden für das Konzert nach Düsseldorf gereist war, erklärte gegenüber familyFM, wie bewegend es sei, Falco nach 30 Jahren noch einmal auf der Bühne zu sehen: „Es ist so ein schönes Bild für mich, weil wir so intensiv mit ihm zusammengearbeitet haben – und das erfolgreich auf der ganzen Welt. So etwas hier zu sehen, wirkt, als würde er noch leben. Die Menschen sind hier, um die Lieder zu hören, die ich zusammen mit Hansi (Falco) geschrieben und produziert habe. Das Schöne ist die Begeisterung, die Emotionen der Leute, wenn sie Falco sehen. Er ist zwar nicht mehr hier, aber irgendwie doch. Thomas Rabitsch hat das sehr gut gemacht – wir kennen uns jetzt auch schon 40 Jahre.“

Ein weiterer Höhepunkt war der Song „Junge Römer“, bei dem Falco in einer alten Aufnahme einen Teil der Band selbst vorstellte. Dadurch entstand eine beeindruckende Illusion von Nähe und Lebendigkeit, die das Gefühl vermittelte, Falco sei noch immer mitten unter uns.

Die Band und die Sängerinnen und Sänger rund um Thomas Rabitsch haben es geschafft, dass die Show weit mehr ist als ein reines Nostalgie-Konzert ist. Sie ist eine Hommage an Falco, seine Musik und seine Zeit. Die geschickte Verbindung von Originalaufnahmen und Live-Musik schafft ein Erlebnis, das weder verkünstelt noch seelenlos wirkt, sondern Emotion und Energie vereint.

Die Show gibt einer neuen Generation die Chance, den Falken einmal auf der großen Bühne zu erleben – auch wenn er leider nicht selbst dabei sein kann. Dennoch lebt der Falke in seiner Musik, in seiner Band und in den Herzen seiner Fans weiter. Das Konzert zeigt einmal mehr, dass Falco ein Superstar war, der populär war, denn er war so exaltiert, because er hatte Flair.

Ein Album für die Ewigkeit

Vor 40 Jahren, am 11. September 1985, veröffentlichte Falco sein drittes Studioalbum Falco 3. Dieses Album sollte seinen Status als einer der bedeutendsten und wichtigsten deutschsprachigen Popkünstler aller Zeiten endgültig festigen.

Auf Falco 3 finden sich einige seiner bekanntesten Songs – allen voran „Rock Me Amadeus“, das im Mai 1985 als Single in Deutschland erschien. Im März 1986 schrieb Falco Musikgeschichte: „Amadeus“ erreichte Platz eins der US-Billboard-Charts – bis heute der einzige deutschsprachige Song, dem das gelungen ist. Auch der Hit „Vienna Calling“ vom Falco 3-Album schaffte es bis auf Platz 18 der US-Single-Charts. Das Album landete sogar auf dem dritten Platz der US-Album-Charts – eine Leistung, die bis heute keiner wiederholen konnte.

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Schon im Vorfeld zeichnete sich die Relevanz der Veranstaltung ab: Das Festival war restlos ausverkauft, rund 5.000 Besucher reisten aus dem gesamten Bundesland nach Mannheim. Das Süd:Süd Fest verzichtet auf ein überladenes Line-up und setzt stattdessen auf eine bewusst kuratierte Auswahl an Künstlern, die sowohl OG Keemos musikalisches Umfeld als auch den gegenwärtigen Zustand der Szene widerspiegeln. Vor dem Palastzelt auf dem Maimarktgelände wurde dafür eine zweite, kleinere Bühne aufgebaut. Dort traten unter anderem der Mannheimer Lelosa, Ruski53, Eurothug – eng verbunden mit Frankys Label Funkloch – sowie Nizi19 auf, der ebenso wie Eurothug vom selben Management betreut wird. Sie gestalteten das Vorprogramm und heizten dem Publikum bereits ein, bevor OG Keemo die große Bühne im Palastzelt betrat

Auch in diesem Jahr lag der Fokus klar auf Live-Performances, unmittelbarer Nähe zwischen Publikum und Künstlern sowie einer intensiven Atmosphäre. Dadurch wirkte das Festival weniger wie ein Großevent, sondern vielmehr wie ein gemeinschaftliches Erlebnis nur mit Moshpits. Besonders deutlich wurde das bei der Überraschungsperformance von Ramzey auf der kleinen Bühne: Er hielt sich kaum auf der Bühne auf, sondern suchte stattdessen direkt die Nähe zum Publikum. Teilweise performte er sogar auf einem Oldtimer, der neben der Bühne als Teil des Bühnendesigns platziert war. OG Keemo bildete schließlich den Höhepunkt des Abends auf der großen Bühne im Zelt. Ergänzt wurde seine Show durch zahlreiche Gastauftritte aus seinem musikalischen Umfeld, darunter Shindy, reezy, Gianni Suave, Souly, JACE, Schmyt, Sumpa und KALIM.

Der Festivaltag war von sommerlichen Temperaturen um die 35 Grad geprägt. Trotz – oder gerade wegen – der Hitze entwickelte sich im Palastzelt eine dichte, energiegeladene Stimmung. Das Publikum zeigte sich, wie typisch für ein OG-Keemo-Konzert, textsicher und lautstark, besonders während seines Auftritts.

Damit bestätigte das Süd:Süd Fest nicht nur OG Keemos Stellung innerhalb der deutschen Rap-Szene, sondern auch seine Fähigkeit, einen Raum zu schaffen, in dem Musik, Publikum und Haltung aufeinandertreffen. Das nächste Süd:Süd Fest steht bereits fest: Am 13. Juni 2026 kehrt das Festival nach Mannheim zurück - dann heißt es erneut „Fieber“.

Hier geht's zu Beitrag eins und zwei der Festival-Fotos und -Videos – fragt uns nicht warum, aber auf Insta mussten wir den Inhalt auf zwei Beiträge aufteilen.

Nach dem Neustart legte sich die Anspannung sichtlich, und das Publikum bewies von der ersten Minute an Textsicherheit. Nahezu jede Hook wurde lautstark mitgesungen, und Gianni nutzte die Energie des Raums voll aus. Immer wieder suchte er die Nähe zu den Fans, interagierte viel mit dem Publikum und verlieh der Show eine sehr persönliche Note. Besonders spektakulär wurde es, als er für die Performance der Songs „Runter“ und „The Hills Have Eyes“ mitten ins Publikum ging, um gemeinsam mit seinen Fans zu feiern. Als er „Gift“ performte, wurde sogar ein Video gedreht, wofür Gianni extra noch schnell seine Grillz (Zahnaufsätze aus Gold oder Silber) einsetzte.

Ein Gianni-Suave-Konzert ohne Moshpits? Undenkbar! Die ersten Pits entstanden bei "Strikes", was die Menge in einen wahren Rausch versetzte. Ein weiteres Highlight des Abends war der Auftritt von Special-Guest Lugatti. Der Kölner Rapper sorgte mit "get buck" und "NRW nicht Italien" für zusätzliche Höhepunkte und animierte nach seiner Performance das Publikum, lautstark "Gianni! Gianni!" zu rufen, um seinen Freund erneut auf die Bühne zu holen.

Besonders beeindruckend: Gianni warf zwischendurch sogar seine Setlist über Bord und spielte Songs nach Gefühl, was der Show eine noch spontanere und persönlichere Note verlieh. Trotzdem kehrte er nach Lugattis Auftritt zum geplanten Ablauf zurück. Einer der emotionalsten Momente des Abends war die Performance von "L.V.E.B.", einem Song, in dem er die Trennung von seiner damaligen Freundin verarbeitet. Die Story hat jedoch ein Happy End, denn die beiden sind mittlerweile wieder zusammen.

Tour-DJ war Rio, der unter anderem auch für Gianni produziert. Später sagte er im Interview über die Zusammenarbeit: "Gianni ist nie langweilig. Es ist zwar ein Auf und Ab, aber es ist irgendwie spaßig. Es ist eine Challenge, eine schöne Herausforderung."

Auch Gianni selbst äußerte sich nach dem Konzert begeistert über den Tourauftakt in Köln: "Ich bin sehr happy, dass es Köln war. Köln ist eine sehr dankbare Stadt. Hier gibt es immer sehr viel positive Energie. Also ich könnte nicht glücklicher sein, dass es in Köln angefangen hat – 100 Prozent!" Über seine erste eigene Tour und das erste Mal, dass er sein neues Album live performt hat, sagte er: "Ich bin heute ins neue Wasser gesprungen. Das ist das erste Mal, dass ich mein neues Album performt habe, das erste Mal auf meiner eigenen Tour. Das war für mich alles neu. Ich glaube, es war sehr ehrlich und sehr pur."

Nach rund 75 Minuten verabschiedete sich Gianni mit einer Zugabe, und das Publikum durfte selbst entscheiden, welcher Song zum Abschluss gespielt wird. Die Wahl fiel eindeutig auf "Runter". Bevor er die Bühne verließ, bedankte sich der Rapper ausgiebig bei seinen Fans: "Ich muss nicht mit coolen Rappern chillen, ich bin wegen euch hier." Auch nach dem Konzert zeigte sich Gianni publikumsnah und nahm sich Zeit für Autogramme und Fotos mit jedem, der wollte.

Obwohl die "Gift"-Tour zum aktuellen Album "Ich falle in Frieden" gehört, spielte er auch Songs aus den früheren EPs "CONNEX" und "KETTEN" sowie die Single "Yappa", die er als einen seiner persönlichen Lieblingssongs bezeichnete. Besonders lobenswert ist: Während viele Rapper stark auf Playbacks setzen oder einen Back-Up-Rapper haben, lieferte Gianni seine Performance komplett live ab. Lediglich in den Hooks gab es vereinzelt Backings zur Verstärkung seiner Stimme.

Fazit: Die Chemie zwischen Gianni und seinem Publikum stimmte von der ersten bis zur letzten Minute. Die Energie im Raum war greifbar, und der Tourauftakt machte mehr als deutlich, dass Gianni Suave auf der Bühne voll in seinem Element ist. Wer auf geile Mukke steht besonders auf Rap und die Möglichkeit hat, sollte sich ein Gianni Konzert keinesfalls entgehen lassen!

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